El tiempo es uno de los elementos más importantes del mundo. Nuestra vida está regida por un sistema que dicta que cada 24 horas comienza un nuevo día, y todo lo que hacemos en ese lapso es sumamente importante. De esta forma, muchos se preguntan constantemente cuántos minutos y segundos necesitan usar para terminar alguna actividad. Ya sea comer, jugar o dormir, todo implica utilizar momentos de nuestra vida que nunca se podrán recuperar. Sin embargo, ¿qué pasaría si pudiéramos vivir una y otra vez el mismo momento? ¿Acaso esta sería una bendición?, o ¿una de las peores torturas que el ser humano se puede imaginar?
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La serie de Assassin’s Creed se ha caracterizado por ofrecernos una mirada bastante interesante a algunos de los hechos históricos más importantes de nuestra humanidad. Desde la Revolución Francesa, hasta la Industrial. Desde las calles de una Italia renacentista, hasta el Partenón griego. Sin embargo, los últimos tres títulos nos han llevado tanto al pasado, que el contexto cultural de una época ha perdido un poco su papel protagónico, y ahora solo funciona como un escenario para presentarnos una serie de aventuras que, si bien aún involucran a algunas figuras que podemos encontrar en los libros, están más enfocadas en los conflictos de los protagonistas, así como en ofrecer un turismo virtual.
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Cuando hablamos de videojuegos creados en América Latina, normalmente se piensa en equipos que apenas están descubriendo su voz en el largo ecosistema de este medio. Si bien en los últimos años hemos visto más y mejores productos provenientes de nuestra región, como Flat Kingdom, Mulaka y Neon City Riders, estos trabajos aún están lejos de ser comparados con los grandes de la escena independiente, como Hollow Knight o Shovel Knight. Sin embargo, el futuro se ve muy prometedor, con 9 Years of Shadows y Aztech Forgotten Gods llamando la atención del público. Antes de ver qué nos depara en par de años, la pregunta es: ¿qué está sucediendo en estos momentos? Por suerte, Dreams Uncorporated y SYCK tienen la respuesta que buscamos.
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Cuando hablamos de material promocional para una película, normalmente pensamos en imágenes, pósters, alguna aparición de una celebridad en un show, hasta un video musical si tenemos suerte. Sin embargo, conforme ha pasado el tiempo, rara vez vemos juegos que sirvan como una forma de emocionar al público por el estreno de alguna cinta. Esta era una práctica muy común en los 80s, 90s y principios de siglo, pero hoy en día es difícil encontrar alguna experiencia virtual que sirva para capitalizar el próximo capítulo del MCU, por ejemplo. Afortunadamente, parece que esto está a punto de cambiar.
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Los spin-offs se han convertido en una forma en que los desarrolladores logran experimentar con diferentes géneros e ideas en una franquicia ya establecida. En algunas ocasiones, estas pequeñas escapatorias de lo tradicional evolucionan al grado de convertirse en sus propias series. Aunque muchos lo han intentado a lo largo de los años, sin duda alguna, es Nintendo quien mejor sabe manejarestos conceptos. Sin embargo, esto no lo hacen por sí solos, en la mayoría de los casos son otros estudios quienes se encargan de convertir a The Legend of Zelda en un juego de ritmo, o Metroid en un título de pinball.
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Si bien la industria de los videojuegos siempre trata de presentarse como un medio dirigido a un público maduro con grandes estudios desarrollando títulos que bien podrían considerarse blockbusters, en algunas ocasiones se nos olvida que también hay espacio para que algunas experiencias dirigidas a un público menor logren sobresalir. Aunque al mencionar esto puede que la imagen de Nintendo aparezca en tu mente, en esta ocasión me refiero más a los juegos para niños basados en caricaturas y varias propiedades infantiles.
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Final Fantasy VII es uno de los juegos más importantes de toda la industria de los videojuegos, y la entrega más popular en toda la serie. Hacer un remake de la obra que Squaresoft nos entregó en 1997 no es una tarea sencilla. Después del lanzamiento de este título, el mundo de Gaia se expandió con precuelas, secuelas, películas, libros, entregas para dispositivos móviles y mucho más. Así que cuando Square Enix se dio a la tarea de reimaginar esta entrega, no perdieron la oportunidad para incluir tantas referencias, pistas y guiños a los más de 20 años de historias que se han sumado a esta experiencia. Sin embargo, esto significó que Final Fantasy VII Remake de PS4 solo se enfocó en una porción de la imagen general, dejándonos con ganas de más.
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Cada día es más fácil disfrutar de antiguos juegos en plataformas modernas. Ya sea que alguna compañía decide re-lanzar, crear un port, hacer una remasterización o remake, hoy en día es bastante sencillo entrar a una tienda virtual y obtener un título que llegó al mercado hace cinco, 10, 15 o más años, época en donde tal vez uno no tenía dinero, o quizás cierta persona no había nacido. Sin embargo, esto da pie a una serie de conversaciones en torno a la calidad de estos trabajos. Algunos consideran que simplemente llevar cierta entrega a una nueva generación es suficiente. Otros argumentan que es necesario proporcionar una serie de mejoras y cambios que van más allá de lo visual y sonoro.
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A cuatro años de su lanzamiento, el Nintendo Switch cuenta con una gigantesca librería de juegos, tanto first como third party. Aunque este catálogo está compuesto en su mayoría por títulos completamente originales y secuelas a entregas aclamadas, también nos encontramos con ports de Wii U y 3DS, algo que ha sido criticado por muchas personas. Sin embargo, nadie puede negar que este movimiento ha nutrido a la consola híbrida, y le ha dado una segunda oportunidad a títulos que tal vez no alcanzaron su potencial comercial en su primer intento. Los números no mienten, casi todo lo que llega al Switch vende, así que esta práctica no debería ser una gran sorpresa.
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Un juego no se desarrolla de la noche a la mañana. Este proceso puede llevar años y años, con cientos de personas invirtiendo parte de su vida en hacer realidad una visión. Sin embargo, los estudios no solo se tienen que hacer cargo de que estos proyectos vean la luz del día, sino de que el mundo no se olvide de ellos. Sin importar qué tan impresionante sea una revelación, si no tenemos información adicional constantemente, existe la posibilidad de que un título se pierda en el mar de lanzamientos. Afortunadamente, una vez que cierta entrega logra publicarse, la conversación una vez más se puede retomar, pero sin el mismo interés que gozó originalmente.
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Gracias al internet y a la expansión de la industria, Japón ha dejado de ser la tierra mística llena de secretos y juegos con la que muchos crecieron durante los 80s, 90s y principios de siglo. Por lo general, si un título no sale de este país, tiene que ver más con problemas relacionados con la localización o clasificación. Cada vez es más común ver icónicas series de este territorio en occidente, incluso si tenemos que esperar meses o años para que esto se lleve a cabo. Sin embargo, no siempre nos pueden llegar los Yakuza o los Mother, en algunas ocasiones nos tenemos que conformarnos con los Famicom Detective Club.
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Ver los créditos de un videojuego no siempre significa el final de una aventura. Cada vez es más común ver algún tipo de contenido adicional que extiende nuestra estancia en algún mundo virtual. El pase de temporada y DLC son dos conceptos que siempre escuchamos cuando un título está a punto de salir al mercado. Aunque algunas experiencias nos ofrezca horas y horas de retos e historias entrañables, siempre hay espacio para expandir ciertos conceptos, presentarnos a nuevos protagonistas, o simplemente disfrutar más de lo mismo. Sin embargo, siempre hay una expectativa por parte del público relacionada con la calidad y cantidad de los extras, así como el precio requerido para acceder a estos agregados. En más de una ocasión, ofrecer un balance entre estas ideas no es algo sencillo.
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En 2019, Funimation llevó a cabo una ceremonia para festejar a lo mejor de la última década en el mundo del anime. Fue aquí en donde Demon Slayer, una adaptación de la obra que Koyoharu Gotōge comenzó en 2016, fue seleccionada por el público como El Mejor Anime de la Década. Para 2019, Kimetsu no Yaiba solo tenía una temporada con 26 episodios al aire y, en su momento, no había información relacionada con una segunda parte. Esta decisión fue controversial. Competidores, como Attack on Titan o One Punch Man, habían sido despreciados por los votantes, y producciones como Kill la Kill o Jojo’s Bizarre Adventure no habían sido consideradas para esta categoría. Sin embargo, a dos años de este resultado, puedo decir que Demon Slayer está en camino de ganarse este título.
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Por años, las películas de videojuegos han sido consideradas como las peores representaciones del séptimo arte. En muchas ocasiones, este tipo de trabajos trataban de adaptar las complejas historias que abarcan horas y horas de una aventura interactiva en una cinta de poco menos de dos horas. En otros casos, las personas encargadas de estas producciones se limitaban a solamente tomar algún nombre reconocidos y crear una narrativa completamente original, pero sin entender qué hace especial a cierta obra. Uno de los pocos casos de éxito durante la década de los 90, fue Mortal Kombat de 1995, la cual logró capturar la esencia de uno de los más violentos títulos de las arcades.
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Por años, compañias como Sony han mencionado que el desarrollo de juegos AAA single player ya no es sostenible para la industria. De esta forma, varias compañías han decidido crear diferentes experiencias con una serie de contenidos adicionales que logren recaudar dinero incluso después de su lanzamiento. Fue así que conceptos estilo “juegos como servicio” fueron popularizados por entregas como Destiny. Esto no es nada nuevo, modelos de suscripción y pases de temporada ya existían desde hace mucho tiempo, pero estos términos actualmente están presentes en más y más títulos creados por los grandes desarrolladores.
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Sin importar qué tan grande sea una serie en Japón, ser popular en occidente es una tarea completamente difícil. Por años, franquicias como Yakuza o Dragon Quest han sido consideradas un fenómeno nacional en el país del sol naciente, pero los fans en América y Europa son reducidos. Normalmente esto se debe a que algunos títulos no son localizados, su publicidad no les hace justicia, o simplemente no logran conectar con el público. Sin embargo, sí hay una compañía que ha demostrado que esto es posible, incluso después de años y años de carecer de algún tipo de reconocimiento en nuestra región, es Capcom con Monster Hunter.
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El concepto del multiplayer ha estado presente en los videojuegos desde su concepción. De alguna u otra forma, este estilo de juego ha creado una esfera social que pocos medios han logrado igualar. Desde el aspecto competitivo en títulos de peleas, MOBAS y battle royale, hasta el cooperativo en beat em’ ups y shooters. Sin embargo, estas experiencias también se pueden disfrutar por separado, ya que en la mayoría de los casos, el apartado en conjunto es solo un extra que hace cierta obra un poco mejor. Actualmente los juegos que se solo se pueden disfrutar en compañía de otra persona son escasos en la actual industria. Afortunadamente, hay un estudio y un director que intentan llevar esta idea al siguiente nivel.
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Crear una nueva IP nunca es una tarea sencilla. Sin embargo, hay un elemento que puede hacer esta tarea algo más fácil para los desarrolladores. En lugar de trabajar en nuevos conceptos y tratar de innovar en cierto género, uno puede utilizar algunas ideas viejas y emplear un nombre diferente. Esto no es malo. De cierta forma, esto le permite a un equipo creativo modificar ciertas convenciones sin las restricciones que una franquicia longeva representa. Este es el caso de Bravely Default. Lo que empezó como una simple secuela de spin-off de Final Fantasy, conocido como The 4 Heroes of Light, eventualmente se transformó en su propia noción de lo que alguna vez fue la obra creada por Hironobu Sakaguchi.
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La progresión en un juego multiplayer hoy en día es un arma de doble filo. Aunque el concepto de temporadas puede mantener con vida a varios títulos bajo la promesa de la inclusión de contenido gratuito de forma constante, si las bases de una experiencia no son lo suficiente sólidas, no mucha gente estará dispuesta a invertir más de un par de horas en cierta experiencia. Sí, Fortnite, Call of Duty: Warzone y títulos como Fall Guys, hasta cierto punto, han logrado mantener una buena base de jugadores con este modelo. Sin embargo, no muchos tienen la misma suerte.
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Nos encontramos en pleno 2021, y no hay rastro alguno de Snake o Sam Fisher. Los dos personajes que alguna vez se encargaron de prácticamente inventar y, eventualmente, revitalizar el género del sigilo en los videojuegos, están perdidos, y no sabemos cuándo regresarán a nuestras vidas. De esta forma, el Agente 47 se ha encargado de mantener con vida este estilo de juego en su estado más puro. Aunque hoy en día cada vez más y más experiencias implementan elementos o secuencias en donde debes de pasar desapercibido, ya no hay tantos títulos enfocados solamente en esta mecánica.
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El formato digital puede ser bueno. Conforme el tiempo avanza, la opción de lanzar juegos en plataformas como la eShop, PS Store, Microsoft Store, Steam y Epic Games Store ha puesto a la disposición de muchas personas juegos que tal vez nunca hubieran comprado en un formato físico. De igual forma, desarrolladores indie ahora tienen un espacio para compartir sus obras, algo que era casi imposible hace unos 10 o 15 años. Sin embargo, todos los títulos que están en estas tiendas virtuales corren el riesgo de desaparecer de la noche a la mañana, y no hay nada que uno pueda hacer para evitar esta triste realidad.
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Explorar nuevas ideas normalmente es un arma de doble filo, especialmente en series que llevan más de una década apegadas a cierto estilo de juego. Por un lado, esto le puede dar a los desarrolladores el espacio suficiente para experimentar con diferentes conceptos, poner a prueba sus conocimientos, y es posible llegar a un nuevo público. Sin embargo, también existe la posibilidad de perder la atención de cierto tipo de audiencia, quizás el rumbo que se decide tomar puede ser contraproducente. La experimentación hace que algo sobreviva o muera.
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En 2017, Nintendo nos entregó Breath of the Wild. Desde entonces, el título de lanzamiento para el Switch se ha posicionado como uno de los mejores juegos de la historia. Su aproximación a las experiencias de mundo abierto fue refrescante para un género que se sentía algo estancado. En los últimos años hemos visto a diferentes compañías re-imaginar la exploración con diferentes técnicas, ya sea que los desarrolladores fueron inspirados por Zelda, o porque sentían que innovar era necesario. Sin embargo, no hemos visto muchas entregas que tomen como inspiración principal a la obra que dirigió Hidemaro Fujibayashi, al menos hasta ahora.
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Normalmente, un spin-off es el espacio perfecto para experimentar con una serie. Ya sea por medio del gameplay, presentación visual o historia, este tipo de entregas le permiten a los desarrolladores tocar terreno nuevo sin las restricciones de una franquicia con varios años en el mercado. De igual forma, esto puede hacer que más gente se interese por un género o propiedad. Sin embargo, esto también puede ser un arma de doble filo que tal vez afecte a todos los involucrados, especialmente a los que salen de su zona de confort para probar el siguiente capítulo en una constante narrativa.
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2020 ha sido un perido muy extraño para la industria de los videojuegos. Pese a la pandemia que atormenta al mundo, este medio ha logrado sobresalir. No solo se han reportado grandes ingresos a lo largo del año, con Nintendo y Animal Crossing: New Horizons dominando el mercado, sino que una nueva generación de consolas ha comenzado. Noviembre es el mes más movido de la temporada. Para acompañar la llegada del PS5 y Xbox Series X|S, hemos visto el lanzamiento de grandes juegos durante los últimos días para la previa y actual generación. Sin embargo, entre todas estas entregas, un título del género Warriors planea ser la gran oferta para los usuarios del Switch.
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